Between Temporal and Permanent Histories of Pain | Lucille Kim | Main Gallery

Runs: 6 September – 11 October 2019

Launch and artist talk: 7pm, 6 September

Gallery hours: 12-5pm Tuesday-Saturday

Between Temporal and Permanent Histories of Pain examines memory and a sense of time encased by conditions of the human body. Here, two projections overwhelmingly encompass the room to allow an invitation, and an experience in Coin Therapy (‘coining’) that is being performed in the videos. One of my mother and the other of my father, both bodies lie at rest and in motion on a serene white sheet. Each memory is subtly narrated by sounds that interrelate the visible and invisible scars under the violence and powerful rising of communist regimes in Cambodia during the 1970s to early 1980s. Either they are alone or together, distantly far apart or closely across from one another, the dual representation of a man and a woman in need of healing is blurred by a history of pain and powerlessness.

I would like to thank aceartinc. for their support and realization of my first solo exhibition. Most of all, I gratefully thank my mother and my father for their contribution, openness, and strength in the creation of each work.

Lucille Kim, born in 1992, is a Cambodian-Canadian artist based in Hamilton. She has a BFA degree from University of Toronto Mississauga (2015) where she immediately identified with certain concepts in the mediums of drawing and photography. In early 2018, her travel to Cambodia for the first time left her influenced by their lifestyle, materials, and landscapes as history and memory continue to be a part of her works that underlie the duality between pain and healing.

Le 6 septembre au 11 octobre 2019

Vernissage et causerie d’artiste       Le 6 septembre à 19 h

heures de la galerie: 12h-17h du mardi au samedi

Between Temporal and Permanent Histories of Pain examine la mémoire et la notion du temps qui entoure les conditions subies par le corps humain. Ici, deux projections dominent la pièce et l’englobent pour faire place à une invitation, et une expérience en Coin Therapy (‘coining’) qui est effectuée dans les vidéos. Une vidéo de ma mère et une autre de mon père, leurs deux corps au repos ou en mouvement sur un drap blanc pur. En arrière-plan de chaque souvenir, une narration de sons relie les cicatrices visibles et invisibles vécues lors de la violence et la montée puissante des régimes communistes au Cambodge pendant les années 70 jusqu’au début des années 80. Les deux sont soit seul, soit ensemble, très loin l’un de l’autre ou face à face près de l’autre, une représentation de la dualité qui existe entre un homme et une femme qui ont besoin d’une guérison qui est brouillée par une histoire de douleur et d’impuissance.

J’aimerais remercier aceartinc. de leur appui qui m’a permis de réaliser ma première exposition solo. Surtout, je remercie ma mère et mon père de leur contribution, dont je suis reconnaissante, et leur ouverture d’esprit et la force qu’ils ont démontrée en créant chaque œuvre.

Née en 1992, Lucille Kim est une artiste cambodgienne-canadienne basée à Hamilton. Elle a un diplôme en beaux-arts de l’Université de Toronto Mississauga (2015) où elle s’est trouvée immédiatement attirée par certains concepts dans les milieux du dessin et de la photographie. Au début de l’année 2018, elle fut grandement influencée par son premier voyage au Cambodge, en particulier par le style de vie, la matière et les paysages ainsi que l’histoire et les souvenirs, toujours sous-jacents à ses œuvres qui reposent sur la dualité qui existe entre la douleur et la guérison.

Translation/traduction : Simone Hébert Allard

Carte Blanche: Annual Members’ Exhibition

Exhibition run: July 4-19

Launch: July 4, 7pm

Join us for the opening of Carte Blanche, the annual members’ exhibition at aceartinc.!

Members of our community will be showcasing their work in the main gallery with performances by Cole Cancilla and shibari duo Erin and Sara.

$5 cover fee, which includes an entry to win one of six Love Nest gift certificates. Exhibiting artists get in free.

Partial View | Cartae Open School Final Exhibition

Show run: 7-28 June 2019
Opening reception: 7 pm, 14 June 2019 
Panel discussion: 7pm, 21 June 2019

Partial View: a CARTAE Open School group exhibition exploring the obscured, concealed, and abstracted. 

We are currently accepting applications to Cartae Open School 2019/20. More program details are available here.

Annual Curated Student Exhibition | Main Gallery

Opening reception: 7-9pm, 7 June 2019
Show run: 7-14 June 2019 – EXTENDED ONE DAY TO 15 JUNE!!

Selected from an open call on an open theme, inviting submissions from students who have taken a post-secondary art course this year in Manitoba.

Co-curated by Tani Miki and Brianna Wentz.

Embodiment | Connie Chappel | Main Gallery

Exhibition runs: April 26 – May 24, 2019
Launch: April 26, 7pm
Artist talk: May 4, 2pm

Gallery Hours: Tuesday- Saturday, 12-5pm

This multi-faceted exhibition uses sculptural installation to combine curious material into experimental archaeological scenarios. Unusual juxtapositions of artificial and natural objects investigate the idiosyncrasies of organic growth, decay and exhumation processes. Cryptic memorials merge kinetic twigs and branches with static rocks and body parts. Quivering air currents enliven suspended tree roots. An ambient glow beneath stain of sap drops on paper pays hommage to a meaningful birch wound. This living artifact display aims to conceive a highly delicate, eerie and fantastical forest that finds itself suspended in time.

The gallery space is a participant in this art historical allegory with works assembled in consideration of structure, corner, beam, space. Embodiment engages observations of adaptation, diversity, self-generation, and material evidence of history having passed. Redeemed natural salvage unearths human intervention in the otherwise inhabited world and embodies the inescapability of physical death.

With generous support of the Winnipeg Arts Council.

Du 26 avril au 24 mai 2019

Vernissage le 26 avril, 19 h,
Causerie d’artiste le 4 mai ,14 h

Cette exposition à multiples facettes utilise une installation sculpturale pour combiner des matériaux étranges pour en faire des scénarios archéologiques expérimentaux. Des juxtapositions insolites d’objects artificiaux et naturels permettent l’investigation des idiosyncrasies des processus de la croissance organique, de la désintégration et de l’exhumation. Des monuments commémoratifs cryptiques se fusionnent à des brindilles et des branches cinétiques ainsi qu’à des pierres statiques et des parties de corps. Des courants d’air font trembler des racines d’arbre suspendues, leur donnant vie. Une lueur ambiante sous une tache de sève qui dégoutte sur un papier rend hommage à une blessure évocatrice d’un bouleau. L’idée de cette exposition d’artéfact vivant est de concevoir une forêt ultra délicate, fantastique et inquiétante qui se trouve suspendue dans le temps.

L’espace-même de la galerie devient un participant à cette allégorie d’art historique avec des œuvres qui prennent en considération la structure, les coins, les poutres et l’espace. Embodiment éveille des observations d’adaptation, de diversité, d’auto- génération et des preuves concrètes que l’histoire y est passée. Le matériel naturel récupéré déterre l’intervention humaine dans ce monde autrement habité et incarne le caractère inévitable de la mort physique.

Avec l’appui généreux du Conseil des arts de Winnipeg.

Translation/traduction : Simone Hébert Allard

Nest… a hiding place in the sky | Kelsey Braun | Main Gallery

Artist presentation by Kelsey Braun

Thursday April 4, 7- 9 pm

Kelsey will present materials related to the exhibition through a hybrid performance / artist talk, followed by a play-through of the immersive audio installation. Audience may come and go as they please. 

Nest… a hiding place in the sky considers space as an illusion, as that which shifts between the perceivable and the peripheral—we can often hear the birds but cannot see the nest. Constructed from a foundation of sound extracted out of field recordings, foley, found-audio and gestures of sonic improvisation, this work is a multi-channel composition for a room. Nest…. intends on establishing an ocean of vibration where time and space are nudged towards an obtuse and poetically shifting experience. Speakers dispersed throughout the gallery underline one’s sense of proximity and complement the room’s physical material—in some cases transmitting sound from within the building itself. Nest…. encourages a heightened sense of hearing, relating the aural to architecture, social space and memory.

Kelsey gratefully acknowledges the generous support of the Manitoba Arts Council, the Winnipeg Arts Council, and Video Pool Media Arts Centre.

Runs March 8- April 5, 2019

Gallery hours: 12- 5pm Tuesday- Saturday

First Friday hours: 5-9 pm

Nest… a hiding place in the sky | Kelsey Braun 

Du 8 mars au 5 avril 2019

Vernissage le 8 mars, 19 h

Des tournées animées par l’artiste sont offertes sur rendez-vous. Pour plus d’informations, contacter :

Nest… a hiding place in the sky considère que l’espace est une illusion, une entité changeante entre ce qui est perceptible et ce qui est périphérique – nous pouvons souvent entendre les oiseaux sans pour autant voir leur nid. Construit à partir d’une fondation de son extrait d’enregistrements de terrain, de foley, des enregistrements trouvés et des gestes d’improvisation sonores, cette œuvre est une composition multivoie pour une pièce. Nest …. a l’intention d’établir un océan de vibration où on donne un coup de coude au temps et à l’espace pour qu’il se produise une expérience obtuse et poétique changeante. Des haut-parleurs répartis à travers la galerie augmentent notre sens de proximité et complémente le matériel physique qui se trouve dans la chambre – dans certains cas le son est transmis de l’intérieur du bâtiment lui-même. Nest …. incite une sensibilité accrue au son, créant un lien entre l’auditif et l’architecture, l’espace sociale et la mémoire. 

Kelsey tient à remercier le Conseil des arts du Manitoba, le Conseil des arts de Winnipeg ainsi que Video Pool Media Arts Centre pour leur soutien généreux.

Translation/traduction : Simone Hébert Allard

Seasons of Togetherness | Toby Gillies | Main Gallery

Launch: 7pm, Friday 18 January
Artist talk: 7pm, Friday 15 February
Exhibition run: 18 January – 15 February 2019
Gallery hours: Tuesday – Friday, 12-5pm

Seasons of Togetherness incorporates drawing, collage, and animation in an installation about human interaction and connection. Inspired by fantasies found within thrift-store relationship guidebooks, self-help Internet articles, and step-by-step illustrations, Gillies has made a playful attempt to discover new ways to experience closeness with others and the world around. Source materials have been abstracted through processes of re-creation and interpretation, amplifying both the awkward strangeness and beauty that exist within formalities of expressing.

Created through a practice of working intuitively and experimentally, the exhibition navigates a meandering course across themes of human connection, social convention, and ritual.

With the generous support of the Winnipeg Arts Council with funding from the City of Winnipeg.

Seasons of Togetherness | Toby Gillies

Seasons of Togetherness réunit le dessin, le collage et l’animation dans une installation sur l’interaction et la connection humaine. Inspiré par des fantaisies trouvées dans des guides sur les relations trouvés dans des magasins d’occasions, des articles de psychologie populaire sur Internet, et exécuté par des illustrations étape par étape, Gillies tente de découvrir de nouvelles façons ludiques qui permettent de vivre le rapprochement avec les autres et le monde qui nous entoure. Des abstractions faites de matériel de sources variées sont reconstituées et interprétées de manière que l’étrangeté aussi bien que la beauté qui existent dans les formalités de l’expression soient amplifiées.

L’emploi d’une pratique de travail intuitive et expérimentale permet la création d’une exposition qui emprunte un chemin sinueux abordant les thèmes de la connection humaine, des conventions sociales et des rituels.

Grâce au soutien généreux du Conseil des arts de Winnipeg et subventionné par la Ville de Winnipeg.

Translation/traduction : Simone Hébert Allard

SHIFT | MAWA Foundation Mentorship Program


SHIFT – An exhibition of new work by mentees in MAWA’s Foundation Mentorship Program

2-10 January, 2019

Gallery hours: Tuesday – Friday, 12-5pm

First Fridays Reception: January 4, 7 pm


Susan Aydan Abbott
Carol-Ann Bohrn
Erin Frances Brown
Amber Christensen
Maya de Forest
Grace Han
Sue Hoang
Chris Larsen
Kathy Levandoski

SHIFT traces the development of work about the adaptability of identity, at times exploring the self, others, the body, and the land. As recent MAWA mentees, SHIFT also speaks to uncovering new truths and depth in these nine artists’ diverse practices.

Sympoietic Sound | Helga Jakobson

2 November – 7 December 2018

Launch and performance by Helga Jakobson and Hilary Crist: 7pm & 8.30pm, Friday 2 November

Artist talk: 2pm, Saturday 10 November

Closing and performance Helga Jakobson and Hilary Crist: 9.30pm, Friday 7 December

Sympoietic Sound takes its name from M. Beth Demster’s definition of collectively-producing systems. The installation highlights the webbed patterns and relations between plants, non human creatures, and humans. In this exhibition relays pass over and through non visible boundaries creating connections and dissonances, and are used to create a soundscape. A co-evolving sound generated from on-goingness.

Here, in this collectively producing system, there are the sounds of plants becoming with webs, humans becoming with both- we hear living, dying and all that lies between. As Donna Haraway says, Nothing makes itself; sympoiesis is a word for worlding-with, for company.

Sympoietic Sound  |  Helga Jakobson

Du 2 novembre au 7 décembre 2018

Vernissage et performance par Helga Jakobson et Hilary Crist : 19 h, vendredi le 2 novembre

Causerie d’artiste : 14 h, samedi le 10 novembre

Fermeture et performance par Helga Jakobson et Hilary Crist : 21.30 h, vendredi le 5 décembre

Sympoietic Sound est un nom qui provient de la définition de M. Beth Demster qui décrit des systèmes de production collectif. L’installation met l’accent sur les motifs et les relations entrelacées qui existent entre les plantes, les créatures non humaines et les humains. Dans cette exposition, des relais passent pardessus et au travers des frontières non visibles, créant des connections et des dissonances dont l’artiste se sert pour créer un paysage sonore. Un son en évolution généré par un mouvement continu.

Ici, dans ce système collectif de production, les sons des plantes deviennent des réseaux, des humains évoluent avec les deux – nous entendons la vie, la mort et tout ce qui existe entre les deux. Tout comme Donna Haraway dit : « Rien n’est créé de lui-même; sympoiesis est un mot qui décrit devenir avec, pour l’autre. »


Translation/traduction : Simone Hébert Allard

Shining Tapestry | Steven Leyden Cochrane

7 September, 7-10pm

Artist talk, 22 September, 2pm   |   Exhibition run, 7 September – 5 October 2018

Made over an eleven-year period, the work in Shining Tapestry spans textiles, text, photography and digital media, combining these in varied attempts to visualize lived experiences of trauma.

Language and image, base units of conscious thought, break down in flawed processes of articulation and translation. Artifacts of these processes—warping, loss of resolution, garbled syntax and mixed metaphor—mimic deficits of consciousness brought on by intense emotion, illness or impairment.

The show is anchored by a new body of large-scale crochet lace “documents” based on digitally-mangled, low-resolution photographs and improvised text. Alongside works in a range of media, these aim to highlight and destabilize the precarious mental structures that give subjective experience its illusion of continuity and order.


Image: Steven Leyden Cochrane. Melech House where mom died; 2018.